Sorti fin 2013 sur 3DS dans nos contrées, Bravely Default : Flying Fairy est un véritable ouragan musical. Si l'ensemble du jeu, inspiré du peu connu Final Fantasy : The 4 Heroes of Light se présente comme un J-RPG à peu près classique, la bande-son, composée par Revo, guitariste, chanteur et leader de Sound Horizon est d'une rare ampleur pour une production sur console portable, et a même donné lieu à un mémorable concert dans le cadre du projet Linked Horizon. Pourtant, si l'organisation de la musique dans le jeu ressemble à première vue à celle de nombreux autres RPG, force est de constater quelques particularités cristallisées dans le thème du boss de fin : Serpent Eating the Ground.

Le J-RPG et ses habitudes musicales

Nous avons déjà abordé plusieurs jeux de ce genre dans les épisodes précédents, et les amateurs l'avaient sans doute déjà remarqué : la musique dans les J-RPG classiques se caractérise par des fonctions très flagrantes (dont beaucoup se trouvent aussi dans d'autres genres de jeux). Thèmes dits d'exploration/de lieux, de combat, et de personnages dont l'apparition dépend du déroulement du scénario (au cours des dialogues et scènes cinématiques), sont souvent les trois principaux (mais pas uniques) points d'attache musicaux d'une bonne aventure. Ces catégories ne sont pas perméables et il n'est pas rare par exemple de trouver le thème d'un personnage dans un thème de combat, lorsqu'il s'agit de l'affronter ou de le rejoindre dans un contexte particulier.

Mais alors qu'est-ce qui fait la particularité du morceau que vous entendez actuellement et de Bravely Default de façon plus générale? Pour le comprendre, il faut replacer l'écoute dans le contexte du gameplay, car Serpent Eating the Ground n'est pas aussi linéaire dans le jeu que dans la version CD. En effet, le combat contre le boss de fin est scindé en trois moments distincts (si vous pensiez lire un article sur un combat final sans vous faire spoiler, il est encore temps de faire demi-tour). Ces trois moments correspondent aux trois phases du boss ainsi qu'au déclenchement des scènes cinématiques qui s'intercalent entre lesdites phases. Et à chacun de ces moments correspond un certain nombre de nouveaux éléments musicaux qui vont venir s'ajouter les uns à la suites des autres. La première phase présente un thème qui n'a jamais été entendu dans le jeu, qu'on assimile donc aisément à Ouroboros, nouvel ennemi que l'on rencontre pour la première fois. La particularité de ce boss étant qu'il est impossible à tuer car il se régénère régulièrement en avalant un monde parallèle dès que ses points de vie s'affaiblissent, ce thème se répète donc inlassablement (ce qui convient parfaitement au sens du mot Ouroboros, le serpent qui se mord la queue, l'éternel recommencement).

Puis commence la deuxième phase, durant laquelle un personnage salvateur arrive pour prévenir nos héros qu'il existe, fort heureusement, un moyen de briser cette chaîne infernale, mais qu'ils doivent résister encore un peu avant de pouvoir porter le coup fatal. Le thème d'Ouroboros continue alors, mais au lieu de revenir directement sur lui-même, il est interrompu par deux fragments mélodiques successifs et bien plus encourageants: le premier est une reprise de la première partie de la mélodie entendue lorsque l'on marche sur la carte du monde, que l'on se déplace en bateau, ou bien en vaisseau, tandis que le deuxième n'est autre que la deuxième partie du thème de l'écran-titre du jeu, dont nous parlerons plus loin. Mais la bataille est encore loin d'être gagnée à ce stade, puisqu'une nouvelle version du thème d'Ouroboros joué au piano vient tout de même conclure l'ensemble...

Arrive enfin la troisième phase du combat, au début de laquelle les héros, à bout de forces, sont prêts à abandonner leur lutte et supplient le monstre auquel ils s'opposent de cesser de sacrifier des mondes innocents en les dévorant. C'est alors que ces fameux mondes parallèles entrent en scène, révélant l'incroyable (et étrange) vérité : chacun peuplés de leur propre version des quatre héros contrôlés par le joueur (Tiz, Edea, Ringabel et Agnès), ils attendaient depuis longtemps cette occasion pour résister à l'oppresseur et envoient donc toutes leur forces dans cette version du jeu pour que nos héros en finissent une bonne fois pour toute. A l'ensemble des boucles déjà citées plus haut viennent donc s'ajouter cinq nouveaux extraits dans l'ordre suivant : les thèmes des attaques spéciales de Tiz, Agnès, Edea puis Ringabel, avant de conclure une fois de plus sur une version triomphante du thème principal du jeu, et donc de former enfin le morceau complet tel que vous l'avez entendu au début de cette chronique (le minutage exact est précisé dans l'encadré ci-dessous).

Une nouvelle façon de présenter les personnages

Nous avons donc l'air fins face à cette longue liste de thèmes qui donne à la musique du combat final des allures de pot-pourri (ou medley) qu'on trouve généralement plutôt dans les génériques. En effet, si la présence des thèmes de voyages et du thème principal peuvent pour le moment s'expliquer par leur symbolique encourageante ainsi que le rappel des précédents événements, du voyage accompli pour en arriver là, et de combats menés qu'ils effectuent, celle des quatre héros est plutôt liée au gameplay car elle n'a en réalité presque aucun lien avec le scénario (ce qui est déjà un fait rare pour des thèmes de personnages). Pour mieux comprendre la particularité de ce point, il nous faut revenir au tout début du jeu et écouter la musique de la cinématique d'introduction des quatre personnages principaux que vous pouvez regarder et écouter ci-dessous.

Ce qui frappe dans cette cinématique est l'association de chaque personnage à des thèmes qui ne sont pas toujours les siens. En effet, presque tous sont présentés soit par les motifs des lieux où ils se trouvent (Agnès), soit par le thème représentants les ennemis (Edea), ou bien par une mélodie champêtre qui ne sera plus jamais entendue suite à la disparition du village natal de Tiz, ainsi que le "thème de la tristesse" accompagnant la mort d'un personnage. En dehors de Ringabel (qui par son amnésie et le livre de prédictions qu'il détient a déjà plus ou moins toutes les clés de l'histoire), et de l'esquisse bien cachée de la mélodie d'Agnès au tout début (... dont les première notes sont identiques à celles du thème principal et peuvent donc se confondre avec lui à ce stade), aucun des héros n'est introduit par le thème qui va le caractériser par la suite, et qu'on entendra donc dans le combat final. Deux raisons peuvent alors expliquer la situation. La première est tout d'abord qu'au début du jeu, les personnages ne sont pas encore les guerriers unis qu'ils vont devenir par la suite : ils n'ont pour le moment pas les mêmes objectifs, ni la même connaissance du monde. La seconde, plus technique, est que Bravely Default n'utilise pas de thèmes propres au personnages en dehors des combats : en réalité, si le joueur termine le jeu sans utiliser les attaques spéciales de ses avatars, il peut ne jamais les entendre (hors combat final), et il s'agit déjà là d'un fait suffisamment rare dans un J-RPG pour être relevé. S'il arrive que les avatars du joueur n'aient pas de thème propre (comme dans Final Fantasy III par exemple), lorsqu'ils existent, leur apparition n'est jamais laissée au hasard et ne repose pas sur la bonne volonté du joueur. Si dans Bravely Default ces thèmes (pas forcément) récurrents se glissent donc dans la phase finale d'Ouroboros, c'est sans doute avant tout pour donner le signal au joueur que la régénération a été brisée, et par conséquent l'inciter à lancer ses plus puissantes attaques. On a donc là une véritable distinction musicale entre l'histoire de base racontée dans le jeu (dont la musique appuiera les effets dramatiques, comiques etc.), et celle que peut se raconter le joueur pendant les combats.

La boucle est bouclée

Une fois Ouroboros vaincu, la vie retrouve-t-elle son train paisible pour autant? Ceux qui ont vu la fin du jeu savent bien que non, puisqu'il se termine en réalité sur un cliffhanger des plus énigmatique relançant la question des mondes parallèles et d'une mise en abyme constante. C'est sur ce point que nous pouvons enfin revenir sur les deux autres thèmes énoncés dans le combat final : celui du voyage ainsi que le thème principal. En effet, ces deux morceaux sont en réalité soudés et constituent un véritable fil rouge au cours de l'aventure, un fil rouge qui revient constamment depuis l'écran-titre jusqu'à la chanson de générique, effectuant par la même occasion un imbroglio de récurrence musicale illustrant l'éternel recommencement tout au long du jeu. Mais tout d'abord, rafraîchissons-nous la mémoire en écoutant en entier le thème principal, Moving Toward Hope.

Dans ce thème, nous pouvons identifier deux parties distinctes qui auront chacune leur importance au fil du jeu, puisqu'elles seront réutilisées à de multiples reprises. La première se rencontre par exemple à la fin de chaque combat pour symboliser la victoire, mais aussi dans la chanson du générique. Plus intéressant encore, elle constitue aussi la deuxième phrase du thème de déplacement en vaisseau.

La deuxième partie quant à elle (qui commence au bout d'une minute), est encore plus présente au fil du jeu : du thème du boss de fin en passant par la deuxième partie de Land of Light and Shadow (thème de la carte), au thème du menu, et aussi au générique, ses utilisations sont trop nombreuses pour être toutes citées.

Si l'on retient les occurrences qui nous intéressent le plus dans ce cas, on se retrouve donc bien avec un véritable réseau de connexions musicales qui courent le long du jeu. Ce réseau fonctionnant dans plusieurs sens, il se trouve former, lui aussi, un cercle de renvois infinis (qui comprend donc d'autres références qui seraient trop longues à répertorier), dont les rayons tournent quasiment tous, d'une façon ou d'une autre autour du fameux thème de l'écran titre. Afin de vous donner une idée visible de ces relations (et un peu mal au crâne), voici un exemple de "carte thématique" (non exhaustive) qu'il est possible d'établir simplement en reliant entre eux les titres des morceaux qui comportent des citations musicales en commun.

L'idée de recommencement et de répétition prend donc une telle importance dans Bravely Default, qu'elle en devient un point central pour bien comprendre sa bande-son (mais fort heureusement pas pour l'apprécier). D'ici peu de temps, Bravely Second : End Layer, sa suite, va sortir. Présentera-t-elle la même complexité et la même organisation musicale, malgré le fait que Revo ait passé le flambeau à un nouveau compositeur, Ryo du groupe Supercell? Rien n'est moins sûr. Il sera en tout cas intéressant de voir comment ce dernier a pris en compte (ou non) les rapports inhabituels entre scénario, gameplay, et musique du premier opus, pour organiser son travail.

Par Ptit-Cactus

> La page chronique VGM