Dans le domaine vidéoludique, les sites de jeux vidéo ont tendance à survoler un point capital, celui du scénario et particulièrement dans les tests. Même s'il y a un traitement de l'information, que les différents testeurs tentent de décrypter le scénario d'un ou plusieurs jeux, les tests sont trop souvent simplistes concernant la critique scénaristique, contrairement au reste (gameplay, direction technique, graphique, artistique). Les sites d'informations vidéoludiques doivent-ils être plus sévères quant à la critique scénaristique, qu'elle soit positive ou négative ? Doivent-ils revoir leur manière d'aborder la critique et la diffuser au grand public alors que le monde cinématographique et vidéoludique n'ont tous deux jamais été aussi proches l'un de l'autre ?

Quand le jeu vidéo rencontre le cinéma

Les mondes vidéoludique et cinématographique ont de nombreux points communs, comme les thèmes abordés. Qu'ils soient de l'ordre horrifique, fantastique, de l'aventure, ou même de la science-fiction, ce sont des points que l'on retrouve aussi bien dans le cinéma que dans le jeu vidéo. Mais ces thèmes sont majoritairement tous liés à un point crucial, celui du scénario. Le choix du thème est lié à une trame scénaristique et inversement, et ce, dans les deux domaines. Il peut tout de même y avoir des exceptions avec des jeux pour lesquels l'expérience du joueur se focalise sur le gameplay.

Certains jeux comme la série des Dark Souls proposent une trame scénaristique, mais celle-ci est mise au second plan, pour laisser place aux phases de gameplay, qui se révèlent être très exigeantes. Tous les jeux ne sont pas ainsi pourvus d'un scénario notable. C'est le cas pour certains types de jeux comme par exemple les jeux de réflexion ou bien les jeux de puzzle, comme Candy Crush Saga. Ici il sera question uniquement de jeux qui ont un rapport très fort avec le cinéma, aussi bien sur le plan de la narration, que sur le visuel.

Même si le jeu vidéo et le cinéma proposent des expériences bien différentes, ces deux médias se rejoignent de plus en plus sur le plan scénaristique. Vers la fin des années 80 jusqu'au début des années 90, la majorité de la production vidéoludique proposait des jeux avec un scénario basique, comme sauver la princesse qui a été enlevée, tuer le méchant et sauver le monde. C'était le cas pour de nombreux jeux comme Mario ou bien encore Zelda. Aujourd'hui ce n'est plus le cas, car les outils ont évolué. Comme la technologie permet plus de choses, que les outils modernes nous permettent d'avoir un rendu plus "réaliste", la composition, la recherche scénaristique, est plus poussée ce dans le but d'immerger un peu plus le joueur et de rendre l'univers plus vivant. Aujourd'hui les outils ont tellement évolué que la barrière, qui auparavant séparait le cinéma du jeu vidéo, s'est réduite comme peau de chagrin.

Cela est d'autant plus visible sur des jeux de type "jeux d'aventure" ou "point and click" qui ont des mécaniques de jeu limitées pour mettre en avant le scénario et impliquer le joueur sur la trame scénaristique. Et ce, en plus d'avoir un rendu visuel très cinématographique, comme ce fut le cas des jeux de chez Quantic Dream, avec des licences comme Beyond : Two Souls ou Heavy Rain.

Nous avons pu le voir récemment encore avec Until Dawn qui use de mécaniques précises et limitées, pour vous impliquer directement sur le scénario et les différents choix scénaristiques qui vous sont offerts, le tout dans un rendu très cinématographique. Les développeurs vous poussent grâce à un système de choix narratifs, qui influencent le comportement de chaque personnage, à choisir votre propre fin, votre propre parcours. Ces choix ne se limitent pas seulement à la narration car vos actions auront également un impact sur les évènements à venir.

Quand le jeu vidéo rencontre le cinéma.

Si le cinéma et le jeu vidéo sont tous deux de plus en plus proches, que cela est une bonne chose pour le joueur, Il y a un point de friction auquel les testeurs seront fatalement confrontés : leur façon d'aborder la critique scénaristique est-elle toujours adaptée à l'évolution de celle-ci ?

Pour reprendre l'exemple de Until Dawn, le jeu réitère les différents codes cinématographiques. Que ce soit une situation, un cliché, ou des plans visuels, ce sont des choses qui existent déjà dans le cinéma et quoi qu'il en soit, le joueur sera forcément confronté à ces codes qu'il aura vu dans divers films. À force d'être confronté à divers codes, on en prend l'habitude. Un jeu qui réitèrent ces mêmes codes vus et revus peut produire un impact émotionnel inverse et peut également rendre le jeu moins immersif, même si dans le cas du jeu vidéo, il est possible d'immerger le joueur autrement (gameplay par exemple). Le cas est plus visible quand il s'agit du thème horrifique et particulièrement dans le cinéma où chaque code a été rongé jusqu'à la moelle des os.

Dans le cinéma horrifique, que ce soit un film qui traite du paranormal, ou bien un slasher-movie, les diverses situations, les divers clichés et plans sont réutilisés depuis plusieurs années. C'est encore plus frappant pour le slasher-movie qui lui exploite les mêmes codes depuis plus d'une trentaine d'années. Quand vous êtes confronté à ces codes depuis plusieurs années, l'effet de suprise que devrait produire un film sur vous, sera de faible étendu. Ce qui est exactement pareil pour les jeux qui réutilisent tous ces codes, dont les joueurs y sont confrontés depuis longtemps.

Certains ont voulu apporter un vent de fraîcheur comme c'était le cas pour la série des Paranormal Activity qui a repris certains idées de réalisation (comme le cadrage "amateur") du film Le Projet Blair Witch, pour rendre non seulement le film plus réaliste mais aussi pour pallier à un problème : celui lié au coût financier.

Il y a énormément de jeux qui reprennent les codes cinématographiques et même de la littérature. C'est le cas par exemple de The Last of Us, qui nous conte l'aventure de Joel et Ellie dans un monde post-apocalyptique. Le jeu reprend les différents codes cinématographiques, ce, aussi bien du côté de la narration (scénario, personnages, situations, clichés, ...) que du point de vue visuel, avec une direction artistique, des plans résolument cinématographiques.

C'est également le cas pour Alan Wake, qui s'inspire énormément des livres et adaptations cinématographiques de Stephen King. Le côté cinématographique du jeu est parfaitement maîtrisé pour les plans, le côté visuel, la trame narrative. Il arrive même très bien à sortir le côté cinématographique dans un rendu télévisuel (très série TV). On peut également citer d'autres jeux comme la série des Battlefield ou bien encore des Call of Duty, qui réussissent parfaitement à intégrer ce rendu cinématographique.

Une fille qui se fait tirer la jambe ou les cheveux par une entité spectrale, l'homme de couleur qui meurt en premier, le héros qui perd ses proches au début du film et jure vengeance, en passant par la caméra qui revient sur le plan précédent dans le but d'introduire un jump-scare [...] Ce sont les mêmes codes cinématographiques qui reviennent.

Les adaptations ont aussi une importance

On peut également voir l'approche du jeu vidéo sur le monde cinématographique quand il s'agit d'adaptations. Même si trop souvent les adaptations laissent à désirer, certaines sortent clairement du lot et vous proposent une adaptation quasiment fidèle, voire fidèle en tout point. C'est le cas par exemple de Alien : Isolation qui a su reproduire l'univers du film original, qui à sa sortie a su produire une peur constante.

Un sentiment de fragilité face à une menace dangereuse, imposante et invincible. Cette sensation de peur se produit et s'intensifie plus facilement quand nous faisons face à une menace inconnue ! Un Homme reste un Homme, avec toutes les faiblesses inhérentes à la race humaine. Mais quand il s'agit du paranormal ou bien de créatures, comme c'est le cas du Xénomorphe, vous êtes face à quelque chose qui vous dépasse, et cela renforce et intensifie votre peur car vous ne savez pas comment la détruire, ni même comment vous en protéger.

Quand l'adaptation prend tout son sens !

Pour produire à la perfection l'univers du film et donner les mêmes sensations que ce que le film avait produit dans les salles, les développeurs ont dû utiliser des mécaniques de jeu précises. En plus d'avoir une direction artistique très fidèle à l'univers du film, les développeurs ont su apporter la même crainte chez les joueurs, que celle produite chez les spectateurs, grâce à de simples mécaniques de jeu. Pour ce faire les développeurs ont choisi tout d'abord de mettre un alien invincible. Même s'il a peur du feu, cela ne le tue pas pour autant.

L'alien durant tout le jeu vous poursuit et en plus de devoir lui faire face, vous devrez également vous défendre face aux autres habitants de la station (humain et humanoïdes). Un autre point renforce et intensifie un peu plus le sentiment de peur, c'est le fait que le jeu soit en temps réel. Que vous craftiez un objet, ou bien que ce soit la consultation de terminaux, voire même les sauvegardes, tout se fait en temps réel et à n'importe quel moment vous pourriez vous faire attaquer.

Pour rendre l'expérience encore plus forte et transmettre un peu plus cette crainte, cette peur qu'avait produit le film, les développeurs ont incorporé une mécanique, certes basique, mais qui se révèle être redoutable ! C'est justement le fait de courir. Si vous avez le malheureux réflexe de prendre les jambes à votre coup, vous avez de fortes chances d'attirer l'Alien, mais cela en va de même pour l'utilisation d'armes à feu !

Pour conclure l'adaptation en beauté, il a fallu produire une bande son de qualité. Là où beaucoup de softs saturent l'ambiance sonore de musiques spécialement composées, ce jeu-ci se contente lui d'ambiancer ses niveaux avec les seuls sons liés à son univers claustrophobique et aux objets environnants.

Si Alien : Isolation est une adaptation réussie, c'est justement parce que le jeu utilise parfaitement diverses mécaniques liées au gameplay, mais pas seulement ! Il respecte parfaitement la partie visuelle et sonore du film, le tout accompagné d'un rendu très cinégénique.

Quand les acteurs, réalisateurs et studios s'en mêlent

Le rapprochement vers le cinéma peut aussi se faire avec la coopération de réalisateurs, d'acteurs, ou même de studios. Que ce soit pour prêter son visage, son talent d'écriture ou bien son coup de crayon, les développeurs de jeux vidéo travaillent de plus en plus avec les personnes du 7ème art. Par exemple avant l'annulation du jeu Silent Hills, Guillermo del Toro travaillait en parfaite collaboration avec Hideo Kojima.

Il peut aussi y avoir une approche cinématographique grâce à la coopération, la collaboration avec des acteurs. C'est le cas par exemple du prochain jeu du studio Remedy, Quantum Break. Plusieurs acteurs seront directement liés au développement du jeu comme par exemple Shawn Ashmore connu pour son personnage de Iceberg dans X-Men, ou bien encore de Aiden Gillen connu pour son rôle de LittleFinger dans la série à succès, Game of Thrones. Pour terminer, cela peut aller aussi avec une coopération du studios, comme c'est le cas de Walt Disney pour la série des Kingdom Hearts ou bien encore du célèbre studio Ghibli pour le jeu Ni no Kuni : La Vengeance de la Sorcière Céleste

Le spoil, la hantise de testeurs

Nous arrivons au cœur du problème. Puisque le jeu vidéo se rapproche toujours plus du cinéma et qu'il en utilise les mêmes codes bien connus (comme expliqué dans la partie "Quand le jeu vidéo rencontre le cinéma")", les testeurs devront sûrement un ou jour où l'autre revoir l'aspect critique des tests. Même si tous les jeux n'ont pas avec le cinéma de rapport exacerbé, cela sera probablement le cas pour une quantité croissante de softs dans les années à venir. Les professionnels comme les amateurs devront donc trouver le moyen d'adapter leur critique à cet aspect là. Parce que le jeu vidéo se rapproche plus du cinéma, aussi bien d'un point de vue narratif, que visuel et ce justement parce que les outils aujourd'hui le permettent.

La critique scénaristique plus poussée a toute son importance puisque celle-ci dira en partie au joueur si le jeu lui est adapté ou non. Une personne qui est habitué aux films d'horreurs ou d'actions depuis de longues années par exemple, connait les codes cinématographiques. Un jeu qui reprend tous ces codes pourrait avoir un impact plus faible sur lui.

La critique scénaristique plus poussée permet aussi de déterminer à qui s'adressera le futur titre. Au fanboy ou bien au consommateur amateur d'un genre spécifique. C'est cette critique plus poussée qui va permettre de décrypter chaque codes et orienter un peu plus le futur consommateur. Il ne faut pas oublier que le testeur joue également un rôle dans le futur achat du consommateur.

S'il y a bien un risque lié à une critique plus poussée, c'est le spoil. Le spoil reste une hantise des testeurs et c'est l'une des raisons, pour laquelle les testeurs n'osent pas décortiquer et transmettre plus d'informations. Sur ce point il en va de la responsabilité du critique d'employer les formulations adéquates. C'est à lui d'utiliser les bons mots, les bonnes phrases. Pallier à ce problème est faisable, ce en utilisant comme exemple le monde cinématographique ou littéraire, voire même musical. Il suffit de repérer les différent codes, les différentes sources d'inspirations et de s'en servir pour rentrer plus dans les détails, et fournir un test plus complet.

Le jeu vidéo et le cinéma n'ont jamais été aussi proches. Les sites de jeux vidéo ont l'habitude de survoler la critique scénaristique là où les autres critiques (gameplay, direction technique ...) sont plus poussées, moins simplistes. Le but de cet article était de montrer l'impact du cinéma sur le jeu vidéo, mais aussi de répondre à une question capitale. La presse vidéo-ludique doit-elle mettre plus l'accent sur la critique liée au scénario, comme elle le fait entre autres pour le gameplay ou la technique ? La réponse est oui.

> Retrouvez l'actaulité Cross media sur notre rubrique dédiée